“More than one soul” Yves Joris
There are artists who capture the world in fragments as a collection of separate scenes held together only by a coincidental convergence of time and space. And then there are artists who, like cartographers of the uncertain, layer memory and imagination until a reality emerges that is both distorted and startlingly recognisable. To me, Bas Coenegracht belongs in the latter category. His paintings are not merely visual compositions, but carriers of an inner movement, a continuous oscillation between appearance and disappearance, between materiality and dream.
Coenegracht (Maastricht, 1974) currently lives and works in Amsterdam. He has developed into a painter who does not simply depict his figures, but allows them to emerge from the material itself. His canvases are built up from photographic references, memories and a layered painting technique in which he applies acrylic paint with both brush and palette knife — thin and fluid or thick and impasto. His themes fluctuate between migration, introspection and the sublime in an attempt to not only depict human existence, but make it tangible in the very skin of the paint.
In the exhibition ‘I Have More Souls Than One’ (Uitstalling Art Gallery in MAD Gallery in Poland), Coenegracht explores the multiplicity of the self. His figures oscillate between realism and abstraction, between dream images and documentary remnants. They appear in vividly coloured environments that are as much mental landscapes as physical places. This is neither static art nor fixed anecdote, but a continuous movement — like humanity itself, like memory that never stands still.
I have more souls than one
The exhibition takes its name from the poem ‘I have more souls than one’ by Portuguese poet Fernando Pessoa. But there is also an enormous canvas, measuring two by three metres and bearing the same name. A sheen hangs over the painting, a wet haze that does not evaporate and fills the entire space. As if it is still coming into being, as if once applied, the paint continues to breathe under the light. Bas Coenegracht does not merely paint faces or bodies, but layers of time — layers of resistance, of memory, of something that moves between consciousness and dream. You feel how his images linger just beyond the reach of clear meaning, how they refuse to be unambiguous.
A group of figures stands in the image, partly recognisable, partly dissolved in something that resembles sunlight, but could just as easily be a flame. The colours shimmer like wet pigments on an old fresco, worn by breath and wind. A yellow haze looms, like a smoke screen or veil that can only be broken with difficulty. There they stand, huddled together, their bodies partly formed, partly erased, in the struggle between appearance and disappearance.
A landscape of shadows
Some figures pull at a cloth — a net, a remnant of something that may once have provided protection, but now seems a twisted burden. It is yellow, almost golden, but not the colour of triumph — rather the colour of something left too long in the sun, something scorched, something touched by time.
These figures, these souls, stand in a landscape that resists definition. Sometimes it resembles a beach, sometimes a plain, sometimes just a place where air and dust meet. One figure seems to flow into another. They are wanderers, migrants, survivors. They look at us without looking at us, their eyes sunk into an empty reality that borders our own, but never fully merges with it.
Coenegracht starts with a photographic document, but the certainty of that document is lost through repetition and repainting. The canvas becomes a place where time clots together, where people remain still while the paint flows around them.
The language of colour
There is something about the colours. You would expect them to provide comfort, that the bright blue and burning yellow would break the melancholy, but the opposite is true. The colours seem to burn from beneath the surface, as they are not applied to fill the canvas, but to let something speak from underneath. This is not a palette of harmony, but a chromatic protest: colour that refuses to settle, colour that moves within the eye, something that cannot be ignored.
In this storm of colours, humanity is distorted. Sometimes a face briefly emerges from the paint, only to dissolve again into the painterly turbulence surrounding it. The edges of the figures are never sharp, never definitive. There is always a transition, a vagueness that keeps them in motion. Their skin consists of multiple layers of pigment, their postures suggest action, but also the moment just after the action — the moment when something has happened, its echo still reverberating.
The figures carry a certain burden, a weariness that is not merely physical. They are thinkers, wanderers, people who come from somewhere and go somewhere else, but the in-between seems endless. They exist in a constant transition: between movement and stillness, between materiality and dissolution, between resistance and surrender.
The multiplicity of the self
To me, the title of this exhibition, ‘I Have More Souls Than One’, is an ode to Portuguese poet Fernando Pessoa. “I am someone today, and someone else tomorrow” wrote Pessoa, who divided himself into multiple writerly personas. Perhaps that is what is happening here, too — a form of painting in which the human being becomes multiple, in which the individual no longer manifests as a closed unit, but as a being that keeps shifting.
Perhaps that is what makes these paintings so elusive: they are snapshots of a process, but never an endpoint. There is a continuous tension between appearance and dissolution, between what is remembered and what threatens to be forgotten.
And so you look at these works as you look at a memory. You think you know the image, that you understand it, but each time you look again, something shifts. The colours break free from their contours, a figure suddenly emerges from the background, a face surfaces and disappears again into the chaos of the brushstroke.
“Hoop of Catastrofe” Catharien Romijn
Landschappen van Bas Coenegracht
De mens staat centraal in het werk van Bas Coenegracht. Verstilde figuren die de spil vormen van zijn landschappelijke composities. Je ontwaart hun contouren in een verstedelijkte omgeving of juist in de woeste ledigheid van de natuur. Soms is er ook helemaal geen mens te bekennen en is er alleen die wilde natuur. Rauwe beelden in zachte poëtische kleurschakeringen waarbij elke keer de vraag rijst: kijk je naar iets hoopvols of iets catastrofaals?
In zijn Amsterdamse atelier aan de Korte Prinsengracht laat hij zijn nieuwste werken zien. Vlak na zijn afstuderen aan de Rietveld is hij met zijn Portugese vrouw, die hij op de Academie leerde kennen, vertrokken naar Lissabon. Vier jaar hebben ze daar gewoond. Nu is Amsterdam alweer jaren zijn woon-en werkplaats.
Recent moest het grootouderlijk huis in Lissabon worden opgeruimd. Coenegracht hangt een intrigerend doek op: huisraad, groene tegels op een mysterieuze plek: een hoge rots met een gapende afgrond. Twee werelden die ogenschijnlijk niets met elkaar te maken hebben, brengt hij net realistisch genoeg samen. Zo ontstaat een geloofwaardig beeld geschilderd vanuit zijn herinnering. Het geeft een bepaalde stemming weer. Je zou het een gevoel van weemoed kunnen noemen.
Zo’n plek waarin onverwachte, ongrijpbare beelden samenkomen is een centraal thema in zijn werk. Vandaar de titel van zijn expositie SITE LINES. Zijn beelden zijn bedacht, geconstrueerd uit bestaand materiaal. Ze refereren allemaal aan het dagelijks leven. Aan de hedendaagse situatie. Ze zijn zwaar of juist heel licht. Wat je kiest als beschouwer, ligt aan de bril die je opzet. Hij geeft geen kant en klaar beeld maar openheid.
De kunstenaar schildert plekken vanuit zijn gedachtenis maar soms loopt hij er ook letterlijk tegenaan. Wandelend langs het IJ komt hij de meest fantastische industriële beelden tegen: de rafelrandjes van onze maatschappij.
Een man op een vervallen industrieterrein. Wat doet hij daar en wat heeft hij in zijn hand? Het antwoord blijft mistig, net zoals het impressionistische beeld waarin de figuur het landschap bepaalt. Bas Coenegracht schuift compositorisch net zolang tot dat alle elementen goed samenwerken en de opbouw hem bevalt. Zo brengt hij orde in de chaos en brengt hij bij de beschouwer een aangename huiver teweeg.
Elementen uit de werkelijkheid, zijn geheugen, tijdschriften, internet of televisie vormen zijn inspiratiebronnen. Hij realiseert en idealiseert ze op doek en creëert zo nabijheid en verte, huiselijkheid en onbegrensdheid tegelijk. Zelf zegt hij dat zijn werk gaat over afstand creëren van je gevoelens. Waar kijk je naar? Een festivalterrein na een geslaagd optreden of een desolaat vluchtelingenkamp dat net is ontruimd? En die jongens met hun hoodies – komen ze terug van een vrolijk avondje stappen of vertrekken ze in het nachtelijk uur op weg naar een onzeker bestaan? Het blijft raadselachtig en in dat raadsel ligt de grote kracht van zijn werk.
In tegenstelling tot vroeger speelt de kleur in zijn recente werken een hoofdrol. Roze, oranje paars, blauw, diepgroen, zacht geel en zee blauw. Op een haast ambachtelijke manier bepalen die impressionistische kleuren in acryl zijn landschappen. Laag over laag. Soms is het effect overdonderd en broeierig. Alsof ieder moment de hel kan losbarsten. Of de hemel kan neerdalen. Het is maar net met welk oog je kijkt. Soms is de sfeer ijl en mysterieus en verbeeldt hij de schemertijd, die betoverende periode van de dag dat alles mogelijk lijkt. Alsof je op een moment van verstilling, van contemplatie op heterdaad door de kunstenaar wordt betrapt.
De ervaring van onmetelijkheid en afgrond is typisch voor de Romantiek. De eenzame wandelaar, we zien hem op de rug terwijl hij door de natuur dwaalt en zich overgeeft aan het sublieme van het moment. De lucht is indrukwekkend, theatraal en vol dramatiek. Zo voegt de kunstenaar zich in de rij van beroemde collega’s: de17de eeuwse nachtschilder Aert van der Neer of de fantasielandschappen van Caspar David Friedrich en William Turner. Een beroemd citaat van de Duitse dichter Goethe popt op: ‘Himmelhoch jauchzend und zum Tode betrübt’.
Bas Coenegracht kijkt er een beetje verschrikt bij. Nee, een romanticus zou hij zichzelf niet direct noemen. Maar hij flirt er wel mee. Hij transformeert de herkenbare eigentijdse mens en geeft hem een modern soort eenzaamheid mee. Maar altijd blijft de mens, niet de natuur de hoofdrol spelen. Zelfs in de werken waar niemand is te zien.
Zijn nachtelijk landschap met blauwe en grijze luchten en het rivierlandschap met een gouden horizon blijven doordesemd van de menselijke aanwezigheid. Ze zijn bijna abstract met een gesloten compositie. Maar tegelijkertijd licht. Een gevoel van gewichtloosheid overvalt je als kijker. Alsof je op de grond in het grasveld ligt en omhoogkijkt naar de hemel waar de wolken voorbij drijven. Kon het altijd maar zo blijven.
Is het ochtend, avond, hangt er smog of hangt er mist. Is dit een feestelijk begin of het einde van de wereld? Iedere keer test Bas Coenegracht de observatie en de gemoedstoestand van de beschouwer. Zo geeft hij zijn landschappen een nieuw elan vol symbolistische betekenis mee. Eigentijds en tijdloos.
Catharien Romijn is kunsthistoricus en curator van de DSM Art Collection
“Common Ground” Edwin Becker
Bas Coenegracht verbeeldt de dagelijkse wereld in de steden, in alle onverbloemde directheid. Tegelijkertijd hanteert hij een haast ambachtelijke en traditionele techniek, alsof het aquarellen of schilderijen zijn uit de 19de eeuw, in zachte, harmonieuze kleurschakeringen. Het lijkt erop dat die tonaliteiten het leed, de schrijnende werkelijkheid verzachten, en de gelaagdheid (hij schildert namelijk in vele lagen) die confronterende realiteit het beste kan doorgronden. Zelfs de desolate, verlaten en wat naargeestige omgeving krijgt bij Bas Coenegracht iets poëtisch. Al zegt hij zelf dat het niet gaat om de nostalgie van dergelijke plekken, toch raak je als toeschouwer gefascineerd door de esthetische schoonheid van de constructies en verrassende vormen. En juist die esthetiek, die uitgebalanceerde kleuren en vormen, geven een tegenwicht aan de dieper liggende monumentaliteit van de omgeving: de omringende architectuur is niet bedreigend, eerder nieuwsgierig makend, nodigt uit tot experimenten, en zelfs de meest harde lijnen en vormen krijgen door de gelaagdheid een bepaalde zachtheid omdat vloeiende lijnen de starre structuren overvloeien. Het is daarmee eigenlijk een ode aan onze realistische omgeving. Want op de manier waarop Bas Coenegracht onze omgeving weergeeft wordt het een fraai decor zoals bij een opera van Wagner, vol dramatiek en theatraliteit. Gelukkig worden deze begrippen, ik doel op theatraliteit en dramatiek, heden ten dage weer gewaardeerd, evenals ambacht en het echte tactiele schilderen. Bij Bas is het één en al schilderen, pur sang.
“Steel and Volatility” Jonas Reuber
Over here a house stands quietly by the water. Stretching up high into the sky grows a strange upward moving tower, made inaccessible by barbed wire pictured in the foreground. In the next painting, a steel, rusty post, carries an indeterminable weight. The theme, being explored here, is the city of modern time: these paintings are not of romantic, isolated places, but depict everyday urban environments. The wrecked quay walls, the rusty, metallic stairs and fragments of buildings show a post-industrial reality to be found in many Western European cities.
The artist Bas Coenegracht was born in 1974 and works in the Netherlands. From the maritime and urban traditions of his homelands, he extracts a pool of motives that we see reappearing in his paintings. Coenegracht visits these places in his work which often lie in the middle of our cities, but at the edge of our perception. Shopping arcades, collapsed warehouses, muddy harbor facilities or closed-down train stations, are what mostly interest him: “What I like in these deserted and run down areas is not so much the nostalgia, but the unpredictable forms taken by abandoned space and ruins” he says.
“The unpredictable” runs all along the work like a red thread. The motive emerges through the use of several layers of paint, in stark contrast with the surrounding leftovers of architectural exactitude (one might imagine architectural drawings buried under the oil paint) and a lively volatility (green paint drips down a façade like mossy water, through which the artist revives the surface with a virtuose duktus).
Coenegracht leans, in this way, to the side of the volatile, the unpredictable and covers the relics of aging architecture with a lively patina. Just as unpredictable as his work process – painting different layers and structures, partly revealed by scratches – are the continuous changes in the real landscape that inspire his motive, causing a certain naturalism to take place which is not strange to him: in a time when human beings turn away from landscape and buildings, these automatically develop further, change color, deform themselves and collapse.
To work with the unpredictable means for Coenegracht above all to dedicate himself to exploring future possibilities: he personally experienced these forgotten and overlooked big city places as retreating and inspirational ground. He discovered them as a graffiti-artist and skateboarder and learned to see them as places for experimentation, where daily life becomes unpredictable. His painting continues this tradition. The painting concerns itself intensively with the human surroundings, even if not explicitly showing people. This absence creates an exciting opening for the viewer: the painting leaves space for associations and progressions and offers possibilities for interpretation and identification.